Judith Schaechter (1961, con base en Filadelfia, USA) ha creado vitrales durante más de 30 años, especialmente conocidos por su panel de figuras agonizantes sobre un fondo decorativo. También es profesora adjunta en la universidad de arte e instructora de seminarios en PAFA, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, en Filadelfia.
Los vitrales, como medio artístico, han estado muertos durante mucho, mucho tiempo, pero esto no ha disminuido su fascinación. Puede no ser una tendencia en las escuelas de arte, pero no va a desaparecer, su atracción es eterna. La pintura al óleo también está muerta, sin embargo murió recientemente, por lo que sus restos todavía huelen, desafortunadamente para los profesionales de pintura al óleo (que, creo yo, se resisten a la idea, sorpresa, sorpresa, de que su medio haya perdido su primacía). ¡Es genial trabajar con un medio muerto! Se deshace de toda aquella gentuza que lo elegiría por defecto.
El vidrio es una sustancia preciosa. El color y la clara luz trasmitida (a diferencia de la luz reflejada) entran físicamente en el cuerpo; quizás de manera similar a cómo nos “llena” la música. Algunas personas podrían sentirse poco cómodas con el placer y la belleza de la luz coloreada, aunque todo su cuerpo se incline es esa dirección de manera similar a las plantas fototrópicas que crecen en la dirección del sol. Es fácil ver un vitral como ostentoso e ignorar las metáforas de su iluminación, que todavía se mantiene verdadera.
¡La cultura del arte ha estado en problemas en los EE. UU. desde 1630! Existe el temor del trabajo figurativo que data de la época de los puritanos. Además, el arte en los EE. UU. sufre la dependencia del efecto de filtración de la economía; por el patrocinio de los ricos. Cada vez hay menos educación temprana sobre arte en los EE. UU. Desde mi docencia, veo un constante descenso en la preparación de los estudiantes de arte. Han estado condicionados a responder preguntas tipo test, no se les ha permitido pensar con independencia ni incluso experimentar el necesario aburrimiento en el que podrían ser juguetones y creativos en lugar de estudiosos y centrados en resultados establecidos. Esto realmente está llevando a una crisis en las artes, que en cambio se supone que es en gran medida un mercado lujoso.
Yo misma, como artista figurativa, estoy preocupada por la nueva iconoclasia. El arte figurativo ha sido especialmente difícil en los EE. UU. desde la pintura de Emmett Till en el ataúd (en referencia a “Open Casket,” de Dana Schultz, incluida en la Bienal de Whitney en 2016; la pintura recibió críticas ya que fue vista por algunos como una apropiación de la cultura negra por parte de un artista blanco). Pero lo que estamos olvidando que la necesidad de ponerse en el lugar de otro, como cuando miramos a un personaje en un trabajo artístico, es parte de nuestra función de empatía, algo que parece estar sumamente carente hoy en día. ¿Cómo podemos aprender a vivir la percepción de otro sin probar sus identidades en sus pinturas, novelas, películas y otras formas artísticas?
Los manuscritos medievales son maravillosos – No me refiero a las ilustraciones principales que siempre son religiosas, sino a las notas al margen. Es bizarro, está lleno de imaginación. Para mis proyectos, empiezo garabateando, he estado garabateando toda mi vida. Me resulta difícil usar blocks de bocetos y prefiero los bordes del papel con líneas o papeles de reuniones, donde quizás se supone que hay que tomar notas. Luego puedo escanear los dibujos en Photoshop y limpiarlos y hacer un collage con los elementos para sugerir figuras enteras. Todas ellas empiezan con un garabato, y luego el garabato se convierte en algo como una cabeza humana, una flor o cosas por el estilo. ¿En cuanto a las composiciones enteras? Me siento como si estuviera inventando la rueda cada vez. No tengo un método. Nunca tengo una caricatura para el vidrio. Hago las figuras y luego las guardo por separado (a veces durante años), esperando a que surjan ideas. Dejo montones de cosas sin diseñar para que quede espacio para la espontaneidad y la improvisación, que obviamente son más difíciles si se trabaja a partir de un dibujo completamente planeado.
Principalmente no soy pintora, sino grabadora – obtengo casi todos los colores de mi trabajo grabando en vidrio plaqué. Sin embargo, pinto, aunque ¡a regañadientes! La pintura en vidrio es muy desagradable, es como pintar con suciedad y me resulta difícil. Uso pinturas Reusche 1059 Stencil black, 1333 Red for flesh y amarillo de plata que pinto sobre una superficie chorreada con arena. En vidrio chorreado con arena es posible pintar en mate y trazar líneas juntas dado que la zona así tratada mantendrá la pintura. En vidrio chorreado con arena nunca se necesita goma arábiga. No pinto con aditivos en la pintura, sin mezclas con “aguarrás ni aderezos”. Solo agua y tal vez un poquito de goma arábiga. Hago hasta 7-8-9 disparos por pieza. Para grabar, uso vidrio plaqué de Lamberts. En primer lugar, lo chorreo con arena, a veces con esténcil, pero nada elaborado. Luego se añaden todos los detalles con herramientas manuales como grabadores de eje flexible y limas de diamante y Starlite.
A veces me dicen que mi trabajo parece deprimente y algunas personas desearían entender por qué no es más positivo. Me han dicho que si hiciera jarrones de flores el trabajo indudablemente se vendería. Sin embargo, mi tema no me parece en absoluto infeliz o negativo – Veo los personajes de mi trabajo como gente que está trabajando a través de sus sentimientos, animándose y transcendiendo sus situaciones, si lo prefiere. ¿Qué podría ser más alegre? Mi cerebro artístico es suficientemente primitivo como para creer que haciendo una imagen hermosa de algo que era difícil o desagradable de tratar, uno puede convertirla en algo que se puede aceptar, manejar e incluso apreciar. Como una planta de tratamiento de aguas residuales que procesa basura para producir agua nuevamente utilizable, o al menos fertilizantes.
